TOMAR EL HILO. Claudia Martínez. España-Argentina
LUZ PARA TODOS. Eva Lootz España-Austria
TAÍNA EN TIFARITI. Federico Guzmán y La Naná Sevilla, España
AGUJERO AZUL EN TIFARITI. Fernando Casás. Vigo, España
NO PROYECTO.La hostia Fine Art Madrid, España
AISLAMIENTO. Isidro lópez-Aparicio Granada, España
CABALLO DE TROYA SAHARAUI. Rolando De la Rosa México D.F., México
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TOMAR EL HILO
CLAUDIA MÁRTINEZ
España-Argentina
Proyecto colaborativo con colectivos de mujeres españolas y saharauis en el bordado de un mapa de las pistas de agua existentes en el territorio del Sahara Occidental, hoy ocupado por Marruecos, buscando espacios de diálogo y concienciación que cohesione desde la intimidad de la labor un frente simbólico de lucha. Dos etapas de trabajo, en España y en el Sahara para cerrar un círculo, el comienzo y el extremo final del ovillo de hilos. El hilo del bordado entreteje, cruza las orillas, las fronteras y los muros que separan, creando un territorio nuevo y libre. El dibujo del mapa, la exploración gráfica del territorio, será para las mujeres españolas un modo de conocer y colaborar con la causa saharaui. El agua es la vida misma, vida en suspenso para esta nación que reclama legítimamente su tierra, su acceso al mar, sus playas, sus extensas costas de pesca y lo más importante: un futuro en libertad para sus hijos.
Claudia Martínez nace en Catamarca (Argentina). Actualmente vive y trabaja en Valencia (España). Licenciada en Artes Plásticas por Universidad Nacional de Tucumán (Argentina). Su trabajo abarca las áreas de escultura, fotografía, instalación, performance e intervenciones en el espacio público. Expone individual y colectivamente desde 1994, en lugares como Tucumán, Buenos Aires, Rosario (Argentina) o España. Entre sus exposiciones más importantes: Espacio en Blanco, Museo Provincial de Bellas Artes (Tucumán. Argentina); Ciclo de Exposiciones Ojo al País, Centro cultural Borges (Buenos Aires. Argentina); III Bienal de la Crítica Basilio Uribe, Museo Municipal de Bellas Artes J.C. Castagnino (Rosario. Argentina); Entrehilos, Sala del Antic Ajuntament de Aldaia (Valencia); “…Dejar levar”, Galería Edgar Neville (Alfafar. Valencia), y Dibuixos i escultures, Gandia (Valencia. España). Entre otras distinciones ha obtenido la Beca Estímulo a la Creación artística para Cuyo y Noroeste de la Fundación Antorchas (1994), Beca Artistas Jóvenes Guillermo Kuitca (1997-98), Beca de Iniciación a la Investigación de la Universidad de Tucumán (1999-2001); Beca de Producción y Análisis de Obra para Artistas Jóvenes del N.O.A de la Fundación Antorchas (2000); Beca de Encuentro de Confrontación de Obra de TRAMA, Beca de movilidad para alumnos de Doctorado del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (España 2003) y Primer Premio Bienal Escultura de Mislata 2008.
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LUZ PARA TODOS
EVA LOOTZ
España-Austria
La propuesta es la construcción de un cono de adobe, material ecológico y apto para el clima del desierto, de dos metros de altura y 1.30 metros de diámetro en cuyos agujeros se colocarán latas con aceite de quemar que se encenderán por las noches.
Su intervención, más que una obra en sí, ha de funcionar como lema, anuncio o declaración de intenciones que propone unir fuerzas para llevar la luz eléctrica de manera sostenible a los Territorios Liberados y a los refugiados de Tindouf. Técnicamente consiste en construir un cono muy empinado (aprox. 250 cm de altura y 80 cm. de diámetro base), de ramas -o estacas- y adobe, y trazar -mediante cuerdas en el adobe fresco- tres curvas helicoidales desde el vértice hasta la base. Sobre estas líneas se marcarán puntos rítmicamente distribuidos para convertirlos en pequeños huecos y en cada uno de ellos se colocará una lata de conserva con aceite y mecha. Al anochecer, estas mechas han de ser encendidas, convirtiéndose así el cono de adobe en una “punta de flecha” de luz.
Eva Lootz nace en Viena (Austria) donde cursa estudios de Filosofía y Artes Plásticas y se licencia en Dirección de Cine y Televisión. A finales de los 60 se traslada a España junto a Adolf Schlosser y a partir de 1973 comienza su actividad expositiva. Partiendo de planteamientos anti-expresivos y procesuales, tendentes a una ampliación del concepto del arte, evoluciona hacia la creación de espacios intersensoriales y envolventes o, en términos de la autora, hacia un “arte continuo”. Su obra, en la que existe un marcado interés por la interacción entre materia y lenguaje, se caracteriza desde el inicio por la utilización de registros heterogéneos. Entre sus exposiciones cabe destacar Metal (Madrid 1983), Noche, decían (Barcelona 1987), Alfombra escrita (Amsterdam1990), Arenas Giróvagas (Tarragona 1991), A Farewell to Isaac Newton (Londres1994), La madre se agita (Valencia 1997), Eva Lootz( Boras 1997, Suecia, Lund 1998, Suecia, Odense 1998, Dinamarca) Ich und Du (Colonia 2000), Derivas (Oporto 2001), Berggasse 19 ( Madrid 2001), La lengua de los pájaros (Palacio de Cristal del Retiro MNCARS, Madrid 2002) y Sedimentacions (Fundació Sa Nostra Palma, Ibiza, Maó 2004) y Paisajes hidráulicos (Galería Trinta, Santiago de Compostela, 2007). Ha realizado intervenciones permanentes en el espacio público como NO-MA-DE-JA-DO en la Isla de la Cartuja en la Expo 92, LA MANO DE LINNEO en Bohuslän (Suecia. 1996), ENDLESS FLOW en Silkeborg (Dinamarca. 2002), el PROYECTO RECOLETOS (Iluminación de Navidad del Paseo de Recoletos. Madrid, 2004), LA OREJA PARLANTE (Orilla del Ebro. Expo 2008 de Zaragoza) y como intervención efímera: EN TORNO A LO TRANSPARENTE (El Corte Inglés, Calle Serrano, Madrid, febrero 2008). Profesora en la Facultad de BB.AA. de Cuenca los primeros ocho años desde su fundación, ha impartido cursos y conferencias en facultades de España, Suecia y EE.UU., en el Museo Thyssen (enero 2006) y en los cursos de verano de la Universidad Rey Juan Carlos en Aranjuez (julio 2008). Obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1994.
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TAÍNA EN TIFARITI
FEDERICO GUZMÁN Y LA NANÁ
Sevilla, España
Sit tibi copia, sit sapientia formaque detur, inquinat omnia sola superbia si comitetur.
Sea contigo la abundancia, la sabiduría y la belleza, todo será ceniza si lo toca la soberbia.
Inscripción a la entrada de un castillo templario
La mula Taína, una mascota de intercambio de archivos, un particular homenaje al e-mule -el conocido programa de trueque de archivos digitales-, es un animal de carga y descarga vehículo del intercambio de ideas y experiencias entre las personas y los pueblos. Taína viajará a finales de noviembre a Tifariti portando los materiales recogidos -entre otros momentos- durante la VII Semana de la Solidaridad (Octubre. La Fábrica de Sombreros-Sevilla) y transportará de regreso mensajes, testimonios, documentación, reclamaciones y aportaciones del pueblo hermano saharaui que se expondrán al resto del mundo. Federico Guzmán y La Naná proponen conectar lo digital con lo tradicional, lo virtual con lo terrenal y el pasado con el futuro a lomos de una mula que transporta un cargamento de arte en sus alforjas. La mula es una escultura en goma espuma, látex y talabartería tradicional confeccionada en el Laboratorio de Artes de Jimena de la Frontera por Juan Ángel Gómez y Anja Tiedemann con la colaboración del maestro talabartero Manuel Tirado.
Federico Guzmán (Sevilla, 1964) es artesano de las imágenes y explorador de la creatividad. Siempre ha cultivado un interés por el arte como herramienta de conocimiento y encuentro entre las personas. Algunos de sus proyectos individuales recientes son La enredadera de la serpiente (Benveniste Contemporary, Madrid), La Bella Embalada (Pepe Cobo, Art basel Miami Beach) y El mato de tomaco (Encuentro MDE 07, Medellín). También ha formado parte de proyectos colectivos como la Expedición a El Dibujo con artistas españoles y colombianos, el museo de la calle con el colectivo Cambalache o Copilandia con Gratis. Federico Guzmán trabajará en este proyecto con La Naná, un grupo abierto de artistas que se ha organizado para participar en esta edición de los encuentros.
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AGUJERO AZUL EN TIFARITI
FERNANDO CASÁS
Vigo, España
El proyecto que el artista gallego Fernando Casás ha planteado para desarrollar en Tifariti, propone un espacio de energía y reflexión, un agujero de absorción del Cosmos y, al mismo tiempo, la presencia de una huella o de un punto de referencia. El proceso de construcción del círculo de pigmento se fotografiará y registrará en vídeo para que quede reflejada la transformación que va sufriendo hasta el último día del encuentro. La recolección de este círculo transformado por la gente y el contacto de la tierra añade al azul una miscegenación de pueblos, costumbres, hábitos y vivencias que se guardarán como materia enriquecida de esta energía compartida.
Fernando Casás es uno de los iniciadores del movimiento internacional de Arte y Naturaleza (Land Art). Desde los años sesenta desarrolla una obra holística y de difícil contextualización, de corte conceptual y que trabaja con la energía de la naturaleza, intrínseca de las relaciones entre el tiempo y el espacio. Su obra se halla en los territorios fronterizos entre el arte y otras áreas del conocimiento y enfatiza la transitoriedad, uno de los fenómenos clave de nuestros días. Antes ética que estética, desvela sus contenidos a través de la reflexión que genera en el espectador. Posee esculturas públicas en diferentes países como Brasil, España, Portugal…
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NO PROYECTO
LaHostiaFineArts
Madrid, España
“Preferimos empezar de cero, sin exportar en tanto que sea posible, ideas artísticas y prejuicios adquiridos lejos de Tifariti, y realizar el trabajo sobre el terreno. Nuestra idea es hacer primero de receptores y luego transmitir a nuestros colaboradores en Madrid, vía Internet, lo que nos suceda y provoque aquella realidad, de manera que se produzca un ir y venir de informaciones, encargos y soluciones artísticas entre España y el Sahara”.
LaHostiaFineArts (LHFA) es un proyecto artístico de colaboración sin margen definido ni color. En cada ocasión puede estar formado por diferentes personas, aunque los más persistentes son Fernando Baena y Rafael Burillo. Sus últimos trabajos utilizando el vídeo han sido: Benidorm - un trabajo de autoría colectiva, 24 artistas, un retrato a base de primeras miradas sobre ésta curiosa ciudad; Drawing Gibraltar, 2006 - boceto de exposición a partir del material obtenido en la colonia durante un fin de semana por un grupo de 15 colaboradores, desarrollando un concepto de dibujo expandido; Eventos, 2007 - Edición de videoperformances e intervenciones sobre vídeo-performances,realizadas expresamente para esta obra en la que participaron 50 artistas madrileños; Explorando Usera, 2008 - Proyecto realizado para Madrid Abierto en el que se muestra este distrito madrileño a partir de imágenes de vídeo, foto, audio, performances… (unos 100 artistas colaboradores), y Videotopías, 2008 - Taller de vídeo-exploración realizado en Maracaibo con jóvenes artistas venezolanos y gentes del barrio de Santa Lucía.
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AISLAMIENTO
ISIDRO LÓPEZ-APARICIO
Granada, España
Este performance consiste en enterrarse durante 24 horas (día y noche, luz y oscuridad, calor y frío) en un hoyo de dos metros de profundidad excavado en la arena del desierto. El agujero será después la base para plantar un tronco (palo-tótem) que soportará a la misma persona, que logra pasar de una situación a otra con ayuda externa, manos, pies y cuerpos que le harán sentir el contacto humano, la fuerza y la debilidad, el compromiso y la confianza. Finalmente, para que dicho aislamiento pase a convertirse en un acto de apertura y conexión, la persona atomizará agua desde esa altura a su alrededor, evocando un árbol de la lluvia que une, da esperanza y alegría, genera un oasis simbólico. Pueden participar varias personas en hoyos independientes, para que el acto de aislamiento sea real, no sólo simbólico, para sentir la indiferencia del entorno, el olvido, la impotencia, la continuidad, la monotonía, el deseo no saciado, el sueño esperado, el sentimiento de la imposibilidad. Se utilizará la vestimenta tradicional Saharaui (darraa o melhfa) para una mimetización social. Todo el proceso será fotografiado y grabado en video.
Desde 1988, Isidro L-Apaticio participa con asiduidad en ferias internacionales y realiza numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Italia, Reino Unido, Portugal, Alemania, Holanda, Bélgica, EEUU, Hungría, Finlandia, Rusia, Egipto, China, Grecia, Fiji, Rumania, Papua Nueva Guinea, Noruega… Su obra se encuentra en colecciones permanentes, públicas y privadas de dichos países. Premiado y becado para la ampliación de estudios y la creación artística en los siguientes centros: Academia Raffaello, Loughborough College of Art and Design (R.U.), Polytechnic of Central London-University of Westminster, Londres (R.U.), Teekengenootschap Pictura, Dordecht (Hl), University of Soth Carolina, Columbia (E.U.), Real Academia de Bellas Artes de Budapest (Hng.), University of New Mexico, Tamarin Institute, Alburqueque (E.U.), Bilbao arte, Bilbao, Delfi annex en Athens Schoole of Fine Arts (Grc.)… Ha impartido conferencias, seminarios y cursos de ámbito artístico en: Akademie der Bildenden .Künste München (Alemania), University of Hertfordshire, Faculty of Art and Design, Chelsea College of Art and Design, School of Art (UK), Academie royale des Beaux-Ars de Bruxelles, Hogeschool Sint-Lukas Brussel (Bélgica), Istaháskóli Íslands, Iceland Academy of the Arts (Isl.), Kunsthochschule, Berlin-Weißensee, Hochschule für Gestaltung (Al.), Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas-Artes (Pt.), Vysoká škola umêleckoprûmyslová, Prague (R.Ch.), Accademia A.A.B.B. Brera, Milano (It.)… Doctor en Bellas Artes, profesor titular en la Universidad de Granada, miembro del Instituto de Investigación de la Paz y los conflictos. Director del grupo de investigación Creación, Conservación y Edición de la Imagen.
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CABALLO DE TROYA SAHARAUI
ROLANDO DE LA ROSA
México D.F., México
Un caballo de 3.40 metros de altura, construido reciclando materiales de desecho (restos bélicos, ruedas, hierros, bidones…), será colocado frente al muro de la vergüenza. Este Caballo de Troya Saharaui pretende ser un símbolo de la resistencia civil y del poder del pueblo, empleando el arte, ante un poder amurallado. Llevará en su vientre una imagen del héroe mexicano Benito Juárez con la noble frase diplomática, en castellano y en hassanía: “Entre los individuos como entre las naciones, el respeto al derecho ajeno es la Paz”, y una copia de todas las resoluciones de la Organización de las Naciones Unidas en favor de la República Árabe Saharaui Democrática.
En épocas de incertidumbre, de redefiniciones y nuevos paradigmas, hay algo que perdura desde los tiempos más remotos: la fuerza de los símbolos. Para Rolando de la Rosa, "el manejo de los símbolos en el arte es capaz de penetrar las fibras más profundas de la gente". Desde la Virgen de Guadalupe, Marilyn Monroe o la Coatlicue hasta su caballo de Troya mexicano, el artista visual ha convertido los símbolos en eje de su trabajo. "Nuestra labor como creadores es reflexionar y cuando se llega a una conclusión se tiene que mostrar en una obra, porque la gente no tiene tiempo para pensar y está más preocupada en ganarse la vida". Su instalación sobre la Virgen de Guadalupe con rostro de Marilyn Monroe fue a finales de los 80 desmontada del Salón Nacional de Artes Plásticas del Museo de Arte Moderno de México debido a numerosas protestas, siendo destituido el director del centro. El Caballo de Troya de Guacales fue introducido por la noche y de forma inconsciente por funcionarios en el Palacio Nacional, después de haber encabezado la “Marcha del Silencio” en favor del político mexicano Andrés Manuel López Obrador, consumando así el mito griego.
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¡A PINTARROPA! ALONSO GIL Sevilla, España
S/T. ANA OLÍAS Sevilla, España
LAS NUBES SUENAN. ÁNGELES BENÍTEZ Santander, España
LA SOMBRA DEL GNOMON. GUILLERMO ROIZ Madrid, España
VIAJANDO AL PARAÍSO. MARÍA ORTEGA ESTEPA Córdoba, España
MUJER SAHARAUI. ROSAMAR CORCUERA Lima, Perú
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¡A PINTARROPA!
ALONSO GIL
Sevilla, España
El proyecto consiste en trabajar con la población local en un taller de estampación y pintura de darraas, melhfas, turbantes, camisetas, pantalones y ropa en general; usando estas prendas cotidianas como soporte de comunicación y vehículo de expresión artística. El objetivo es canalizar la sensibilidad de los habitantes de Tifariti para crear redes de intersubjetividad y cambiar la estructura de la realidad a partir de la manipulación de símbolos e imágenes, de forma que sirva para fortalecer la capacidad de la vida cotidiana para transformar las estructuras constantemente. Me interesa la interacción con la sociedad civil saharaui porque considero que el arte es un medio sanador de los conflictos políticos, personales y sociales. La serigrafía será la técnica de impresión empleada, pero no de forma repetitiva. Se trabajará cada imagen a estampar desde su dibujo en el papel. Las tintas ocres de los tonos de las dunas y los aguamarinas, púrpuras y azules del cielo del Sahara los pintaremos a mano sobre las telas.
Alonso Gil nace en Badajoz (1966), pero vive y trabaja en Sevilla. Licenciado en BBAA por la Universidad de Sevilla. Entre sus exposiciones individuales destacan 6 asaltos 6, Suffix Arte Contemporáneo, Sevilla (2008); Stroh zu Gold, Gallery-33 Fon, Berlin (2007); La celda grande, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz (2006-07); La Carcoma Hedonista, Neilson Chapman Gallery, Grazalema (2004); Galería DV, San Sebastián (2003); Incómodo, Sala de eStar, Sevilla (2002); Cada Cual a su Tirano, Galería Buades, Madrid (1998); Acceder al interior es necesario, Galería Berini, Barcelona (1997); Casa de Luces, Galería Cavecanem, Sevilla (1996); Alonso Gil Ascan Crone Galerie, Hamburgo, Alemania (1989). Algunos de sus proyectos individuales son: An Error Occurred, Foro Sur, Cáceres (2001); y Deleitarse en la N y deleitarse en la O, Museo Ex Teresa Arte Actual, México D.F. (2000). Ha participado en exposiciones colectivas y eventos como Madrid Abierto 07 (2007); Political Art Issues, Periferias, Huesca (2005); La alegría de mis sueños. I Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS) (2004); Transacciones/Fadaiat. Archivo multimedia on line. Tarifa/Tanger, UNIA arte y pensamiento (2004); Lost boys, Smart Project Space, Amsterdan (2003); Flashed out, Instant Cities, Instituto de México, París (2003); Seen, Fact, Liverpool (2003); Manifesta 4, Frankfurt (2002), The Big Social Game, Biennale Internazionale Arte Giovane Torino, Italia (2002); Living Proof, Newcastle (2002); Falling on you, Londres (2002); III Festival Internacional de Arte Sonoro, México D.F.
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S/T
ANA OLÍAS
Sevilla, España
Este proyecto materializa la cotidianidad con imágenes a tamaño real que plantean la posibilidad de recuperar un hogar permanente y seguro. Se realizarán varias siluetas que representan a saharauis en actitudes diversas y simbolizan las ideas clave del proyecto: libertad, desarrollo, integración, tradición, permanencia… Dichas figuras pintadas de negro, que evocan sombras ansiadas, servirán por su reverso como panel para realizar un collage colectivo en el que confluyan las visiones de los participantes en los encuentros y habitantes de Tifariti. Se les añadirán elementos tangibles con movimiento que, en contraste con las siluetas inertes, harán hincapié en la posibilidad de un espacio habitado y habitable.
Ana Olías es licenciada en BBAA por la Universidad de Sevilla. Exposiciones individuales: Asociación Cultural Antigua Sevilla (dibujos y pintura sobre chapa), 2000; Centro Cívico “Casa de las Columnas”, organizada por el Ayuntamiento de Sevilla, 2001; Espacio literario LA FUGA (Pintura sobre chapa), 2005; La Carbonería (pintura sobre chapa), 2006; Galería Suffix Arte Contemporáneo (pintura sobre chapa), 2008, y Exposición permanente Mesón del Moro (40 metros de pintura sobre chapa), Sevilla 2008. Algunas colectivas: Centro Alfonso X el Sabio (Puerto Santa María - Cádiz. 2006); Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría (Sevilla, 2006), Convento de Santa Inés (Sevilla, 2006), y Fundación Aparejadores,”Strung & Drang” (Sevilla. 2007). Premios y menciones: Primer premio del Concurso de Artes Plásticas conmemorativa del Centenario de las Escuelas Francesas (2003); Beca de la Universidad de Atenas (Grecia. 2004-2005), Concurso Nacional de Artes Plásticas de la Universidad de Sevilla (2005), Bienal de Arte sobre pasta de papel de Huelva (2006), Certamen de Obras Públicas y Transportes (2006), Concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría (2006) y beca Iniciarte por el proyecto “casualidad intencionada” -pintura sobre chapa- (2008). Socia Fundadora de Estucarte.
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LAS NUBES SUENAN
ÁNGELES BENÍTEZ
Santander, España
En un lugar donde el agua es un tesoro, donde la vegetación es algo así como un milagro, hay un árbol del que caen gotas de colores, mezcla de realidad y fantasía. En medio del desierto nos encontramos con una talja cargada de gotas que mueve el viento a modo de nube, pero esta vez es una nube que nace de la tierra, porque los sueños entre todos se pueden hacer posible. “Las nubes suenan” es una instalación situada en una talja, de cuyas ramas colgarán gotas de cerámica, copia de las que cuelgan de las lámparas de lágrimas, y pequeñas piedras, restos bélicos, ramas, elementos encontrados en el terreno… piezas que chocarán unas con otras y emitirán sonidos cuando el viento las mueva, haciéndose notar.
Ángeles Benítez es licenciada en BBAA por la Universidad del País Vasco. Trabajos y exposiciones: Premio por la creación de logotipo “Camargo Municipio Educativo (2007). Portada de la revista virtual “Menos uno (Mayo. 2007). Decoración mural Cool (Santander. 2006). IV Certamen Artistas Noveles Consejo de la Mujer de Cantabria (2002). Muestras en Café Itaca (Santander 2000/2001). I Exposición de Escultura Jerez de la Frontera (1994). Actualmente es profesora de Técnicas Gráficas, Procesos de Impresión y Expresión Volumétrica en el Centro de Artes Aplicadas Sater (Santander –Cantabria).
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LA SOMBRA DEL GNOMON
GUILLERMO ROIZ
Madrid, España
La idea principal de este proyecto de Land Art es la utilización de la proyección natural del sol sobre un objeto y cómo su sombra realiza un movimiento desde el amanecer hasta el ocaso. El objeto central de la obra es una mano, cuya sombra realiza un recorrido desde una superficie plana y redonda hasta otra de mismas características. Uno de estos círculos será de color blanco, el color de la sal, fuente de moneda de cambio para el comercio saharaui; el otro círculo será rojo, simbolizando la tierra saharaui. Todo el proceso de creación estará marcado por el entorno. La sombra hace un recorrido nómada, diferente según la luz, sólo regido por la naturaleza; su movimiento de un círculo a otro, cuyo contenido representa la riqueza de recursos del Sahara Occidental, expresa la idea de intercambio como modelo de subsistencia, mientras que la mano o “gnomon” lo hace de los intereses externos sobre la tierra saharaui.
Guillermo Roiz estudia 4º de BBAA (Universidad Complutense Madrid). Taller "Luz, espacio y percepción" impartido por Daniel Canogar, Julián Oliver y Pablo Valbuena (MediaLab-Prado. 2008). Taller "La arquitectura y el espacio arquitectónico" (Boceguillas de la Sierra. 2005). Exposiciones: "De la investigación a la experimentación plástica" (Centro Cultural Tamara Rojo, Villanueva del pardillo. Junio 2008). "Playas y ciudad” (Centro cultural de Soto del Real. Junio 2006). "Grabados en hueco" (Desyellow. Madrid 2008). Actualidad: "Teles musgo", proyecto realizado para Insonora 2008. Intervenciones de Land Art en la Sierra Norte de Madrid. Trabajos con imágenes proyectadas sobre objetos con el software Videoprojectiontool. Arte sonoro.
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VIAJANDO AL PARAÍSO
MARÍA ORTEGA ESTEPA
Córdoba, España
Paisaje es todo. Paraíso es todo. Todo lo que queramos que sea. Este proyecto pretende llevar un paraíso a una realidad difícil, a un paisaje árido, seco y con poca vegetación. Fertilizar la tierra desértica con vegetales de colores y animales fantásticos. Crear un contraste fuerte tanto de temática, un bosque mágico, como de impacto visual mediante el color. El viaje ha empezado en Córdoba, ciudad donde nací y donde se ha constituido mi paraíso y continuará en Tifariti. Allí trabajaremos directamente sobre un muro exterior, a partir de grandes superficies de color hasta ir concretando en detalles realizados mediante grafismos (utilizando ceras de colores y pincel fino). Posteriormente, se trabajarían varios troncos secos y zonas de flores de fibra sintética de muchos colores unificándolas al mural. Este sería un trabajo colectivo para que los habitantes de la zona se sientan partícipes de este paraíso, el que ellos ven y sueñan a diario.
María Ortega Estepa nace en Córdoba (1983). Licenciada en BBAA por la Universidad de Sevilla. Exposiciones Individuales: Sala Arte a Diario - Diario de Jerez (Jerez de la Frontera, Cádiz. 2007). Lugares que no había - Galería Carmen del Campo (Córdoba. 2006). Quiosco mágico - Intervención urbana (El Carpio, Córdoba. 2005). Exposiciones Colectivas destacadas: ArtMadrid’08 - Stand Galería Carmen del Campo (2008). Diputación de Zaragoza - 4º Espacio Cultural “Encuentra 07” (2008). Sala de exposiciones museísticas CajaSur - “Generación Eutopía” (Córdoba. 2007). Palacio de la Merced - Diputación de Córdoba: “Entre olivos” (2006). Fundación Rodríguez-Acosta: ”Paisajes de Granada 2006” (Granada). Sala San Hermenegildo de Sevilla - “Semana Cultural 2006”. Becas y Premios: Accésit Certamen Arte Joven - Consejería Obras públicas y Transportes, Junta de Andalucía (2008). Ayuda de Producción INICIARTE - Consejería de Cultura, Junta de Andalucía (2007). PREMIO CÓRDOBA JOVEN 2006 - Instituto Andaluz de la Juventud, Junta de Andalucía. Beca “ENCUENTRA07” - Fundación Norte-Fundación UnCastillo (Zaragoza. 2007). La Universidad de Sevilla le adquiere una obra para su Patrimonio Artístico (2007). Beca Fundación Rodríguez-Acosta (Granada. 2006). Beca Erasmus - Accademia di Belle Arti di Brera (Milán. 2004).
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MUJER SAHARAUI
ROSAMAR CORCUERA
Lima, Perú
“Visité el campamento de refugiados de El Aaiún y conocí a la mujer saharaui: su rol, su fuerza, su rostro, su mirada, su superación de las adversidades de vivir en el exilio en un desierto hostil y su entrega a la construcción de una sociedad justa para los hijos. Pensé lo duro que había sido para ellas separarse de sus familiares y, en algunos casos, perderlos. Así nace la idea de modelar una figura femenina, una mujer forjada en barro con incrustaciones de cerámica, construida con materiales de su entorno, integrada al paisaje del desierto. La figura llevará en el pecho un ave y en la espalda un poema a la paz, traducido al hassanía. El rostro, el ave y otros detalles -modelados en arcilla roja, quemada a 1.100 grados, pintada con engobes y esmaltes- se realizarán previamente en mi taller de Lima para aplicarlos posteriormente sobre el barro. La medida es de 1.80 cm., con una leve estructura de hierro, malla metálica, revestida con adobes y una pasta hecha de arcilla y cemento que la hace más duradera y resistente al clima. En el trabajo in situ participarán las mujeres que viven en los alrededores y las que asisten al encuentro. La pieza final se ubicará al aire libre, en un lugar que se decidirá en Tifariti”.
Rosamar Corcuera estudió Artes Plásticas en la Universidad Católica del Perú, en el taller de Dibujo de Cristina Gálvez, en el taller de Cerámica de la Escuela de Arte Corriente Alterna y en el taller de Pintura de Miguel Ángel Cuadros. Ha realizado tres exposiciones individuales en Lima y una en la Cuidad del Cuzco, y numerosas colectivas de las que destacan La Bienal de Cerámica de Lima, el "Homenaje a Pablo Neruda" en Paris y la muestra itinerante "IberoAmérica Pinta" que recorrió museos y galerías de 24 países, iniciándose en la casa de América de Madrid. Ilustra para importantes editoriales como Radda Barnen de Suecia, Editorial Santillana, Perú Repport y Editorial Bruño y ha impartido clases de cerámica en la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ha recibido diversos premios de Cerámica e Ilustración.
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LA COMPRENSIÓN DE LO INFINITO COMO OBRA DE ARTE por Pamen Pereira
TALLER DE TÉCNICAS Y PROCEDIMIENTOS PICTÓRICOS por Eduardo Romaguera
ARTE PROYECTADO: LO EFÍMERO DEL COLOR Y LA FORMA con el grupo meta-síntesis
TALLER DE ARQUEOLOGÍA EN ERQUEYEZ: FORMACIÓN DE GUÍAS E INTÉRPRETES por
Teresa Muñiz
LA CONSTRUCCIÓN DEL REPORTAJE FOTOGRÁFICO por Pablo Balbontín
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LA COMPRENSIÓN DE LO INFINITO COMO OBRA DE ARTE. EL TEJIDO DEL SUEÑO Y LA EMOCIÓN.
Taller de creatividad según la escuela de Alejandro Jodorowsky
Pamen Pereira
“El arte es la única fuerza evolutiva. Es decir que sólo partiendo de la creatividad humana se puede transformar el estado de cosas existente”. Joseph Beuys
Objetivo: Trasmitir confianza en la enorme capacidad de la creatividad como agente activador de la conciencia de la sociedad de nuestro tiempo. La idea de base es comprender, aplicar y desarrollar las claves para esta conciencia y capacidad creadora.
Metodología: El taller tratará sobre algunos temas fundamentales en el desarrollo de la creatividad. Se irán planteando los conceptos más significativos para hacer una experiencia práctica: Atención (Primer concepto básico, que tenemos generalmente atrofiado, con un ejercicio práctico para aprender a desarrollar la atención. La importancia de aprender a ver).
Desarrollo de la imaginación (La imaginación creativa no debe tener límites, el observador es capaz de imaginar y aprende a centrar toda su atención en lo imaginado así puede seguirla hasta el final). No miedo (Vamos a trabajar el no miedo, el susto que nos llevamos al enfrentarnos al vacío. Ejercicio práctico, provoquemos una emoción que nos va servir de aliento, de impulso creativo).
Programa:
Parte 1: El desarrollo de la atención. La magia de lo cotidiano - Desarrollo de la percepción. La realidad como proyección holográfica. La observación profunda. ¿Qué es Naturaleza, donde están los límites de lo natural? - La importancia de aprender a ver. El mundo a través de un fragmento, los suisekis - El arte como proceso sanador. El lenguaje del subconsciente, la sabiduría interior - El mundo es un cuerpo. La conexión con el todo. El mundo entero es medicina.
Parte 2: La relación finito-infinito - Desarrollo del No miedo - Desarrollo de la capacidad creativa - Varios ejercicios destinados a desarrollar la imaginación. La escuela de Jodorowsky - Enfrentarse al vacío, el miedo a la libertad. Bloqueos e inhibiciones impuestas culturalmente. Desaprender lo aprendido - El impulso creativo, iniciar la acción. El proceso creativo, Mu, el no pensamiento.
Número de alumnos: 10
Currículum de Pamen Pereira: Pamen Pereira nace en el Ferrol (A Coruña) en 1963. Licenciada en BBAA en la Universidad de Valencia en 1986.Desde hace más de 20 años su obra ha recorrido gran parte de la geografía española, europea, americana y del Lejano y Medio Oriente de la mano de prestigiosas galerías y museos españoles europeos y americanos, Suiza, Alemania, Francia, Italia, México, Chicago… En 1996 prepara su exposición “Heisser wasser fur den tee” (“Agua caliente para el te”), para el Museo Zu Allerheilligen en Schaffhausen en Suiza. Entre 1996-1997 reside en Japón donde concibe “Música del vacío” en la Recent Gallery de Sapporo, Japón. En 2001 viaja a Teherán, donde trabaja para la exposición “Un solo sabor”. En 2006 se lanza por los caminos de la Antártida con su proyecto “El fuego del hielo”, y en 2007, llega al Sahara Occidental como invitada de Artifariti. Ha participado en numerosas Bienales y ferias nacionales e internacionales.
TALLER DE TÉCNICAS Y PROCEDIMIENTOS PICTÓRICOS
Eduardo Romaguera
Objetivo: Dar a conocer diferentes técnicas y procedimientos pictóricos teniendo en cuenta sobre todo los recursos del territorio (el Sahara) donde se realiza el taller.
Metodología: Se reunirán a los participantes en un mismo lugar para fomentando la comunicación, fomentará los recursos plásticos de los participantes y su creatividad reuniéndolos en un mismo lugar para que entre ellos también se de y el compartir la información.
Programa:
1 día: Técnicas de carboncillo
2 día: Trabajar con acrílico
3 día: Mezclas con tierras de la zona
4 día: Preparación del barro para escultura
5 día: Talla en piedra
6 día: Visita a las piedras de camino al Complejo arqueológico de Erqueyez para dibujarlas y hacer un tríptico
Número de alumnos: 10
Currículum de Eduardo Romaguera: Eduardo Romaguera: 2001-Beca Fundación Cañada Blanch de Audio-visuales: "Creación espacial de estructuras arquitectónicas". 2002-Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (Facultad de San Carlos). 2003-Seleccionado en el V Premio de la Real Academia de San Carlos (Valencia): "Zona de recreo musical". 2004-Becas de "Estancia para Creación Artística" de la Secretaría de Relaciones Exteriores del gobierno de México D.F.: "Ciudad montón de palabras rotas: Poesía visual en México D.F“ (Tutoriado por: Gabriel Figueroa Flores -Hijo de camarógrafo de Buñuel: Gabriel Figueroa-). 2005-Premio de Fotografía "OFIJOVEN“ (Castellón): "Estructuras humanas V". 2006-Realización del mural "Gentes de Sotileza", obra original de José Ramón Sánchez cedida al Ayto. de Santoña (Santander-Gobierno de Cantabria). Tríptico mural de 500 metros cuadrados. 2007-Seleccionado por el Fondo de Patrimonio Artístico de la Universidad Politécnica de Valencia: "Conversaciones con Newton y Goethe: Luz verde". 2007-Beca "ARTIFARITI 2007". Asociación de Amigos del Pueblo Saharaui de Sevilla. Ha realizado numerosas exposiciones en espacios públicos y privados, nacionales e internacionales. Actualmente, Romaguera es uno de los artistas con mayor proyección internacional de la Comunidad de Valencia. Desarrolla la investigación Doctoral: "Metamorfosis: procesos y principios de la animación con arena. (Tesina, U.P.V Departamento de Dibujo, movimiento-animación). El museo de Arte Contemporáneo de la cuidad de Tifariti adquirió una de sus obras "Ennigab" en calidad de cesión por parte del artista. Se dedica profesionalmente a la pintura, escultura, música y audiovisual.
ARTE PROYECTADO: LO EFÍMERO DEL COLOR Y LA FORMA. Meta-síntesis
ARTE PARA CREAR
“In-definición” de la propuesta
¿Cómo definir la esencia del arte pobre por su naturaleza?
¿Qué podríamos desvelar si el factor sorpresa forma parte de su esencia?
Mejor dar algunas pistas que no nos despistan para mantener integro el juego.
El indefinible arte efímero
Lo sencillo…Lo efímero…Lo pobre…
La imagen pura, juego de color, luz y sombra
Instantáneo y transitorio… Arte para el momento
Creado, intencionado pero no previsible en su totalidad
Cuerpo sólido, imagen volátil…Crear, creer, dejar que la luz y el color nos guíen
Rompimiento y renacimiento
El factor azar, la sorpresa, lo encontrado... Juego perpetuo del arte
Objetivos:
Experimentar con la luz y el color
Crear materiales efímeros que sean soporte de imágenes
Disfrutar del proceso
Trabajar en equipo
Dotar de herramientas sencillas y provocadoras a los asistentes
Compartir lo encontrado con el grupo
Metodología: En grupo experimentamos y generamos los materiales
Programa: Taller de un día de 4 horas de duración
ARTE PARA COMPARTIR
Definición de la propuesta: Se trata de generar un encuentro especial en la noche del desierto. El arte, la experimentación de un grupo, quiere ser compartida con todos los presentes en Tifariti porque todos queremos sentirnos uno. Se trata de un happening real donde el gozo de todos nos permite improvisar una respuesta espontánea.
Objetivos:
Hacer una noche lúdica y celebrar juntos la fiesta del arte efímero
Aunar distintos aspectos del arte en un happening y compartir esta experiencia con toda la comunidad de Tifariti
Provocar la convivencia desde “el ver y actuar”, como actores y espectadores
Metodología: Ponemos en común lo “encontrado” con todos los presentes en Tifariti en una experiencia-happening, una fiesta nocturna que nos hace sentir vinculados con el espíritu de la iniciativa: vivir el arte.
Programa: La propuesta se realizará una de las noches y tendrá una duración de 2 horas (que quizás se extienda si los participantes así lo desean).
Número de alumnos: 14 a 20
CREACIÓN COLECTIVA- ARTE EN PIEDRA: EL JARDÍN DEL EQUILIBRIO
El equilibrio es un arte: ¿Cómo mantenernos en el justo centro? ¿Cómo transmitir el equilibrio? ¿Cómo experimentar ese “clap” que te indica “¡ya está!”? Un juego en serio, crear juntos una obra estética en la que el factor equilibrio es la madre del asunto – Estético / Estático - El movimiento sutil que encuentra el centro en el eje de su propio cuerpo - Emulando el propio equilibrio de la naturaleza.
Localización: Espacio de piedras próximo al recinto militar de Tifariti.
Este proyecto está abierto a la participación comunitaria...
Curriculum de Meta-síntesis: El concepto de trabajo del grupo Metasíntesis, creado en 1991, se resume en la realización de «obras de arte social para el cambio», desarrollando experiencias creativas en torno a diversos conflictos internacionales. Algunos de sus miembros están vinculados a la Universidad de Alicante, institución que patrocinó la participación de estos artistas en los I Encuentros Internacionales de Arte en Territorios Liberados del Sahara Occidental, ARTifariti 2007, a los que habían sido invitados por su trayectoria profesional y por su vinculación a la población saharaui en el exilio y a los artistas saharauis con los que habían trabajado en anteriores ocasiones en los campamentos de refugiados de Tindouf.
TALLER DE ARQUEOLOGÍA EN ERQUEYEZ: FORMACIÓN DE GUÍAS E INTÉRPRETES por
Teresa Muñiz
El complejo de Erqueyez, calificado del “neolítico saharaiano” por sus singulares características, está situado a unos 40 kilómetros de Tifariti. En este paisaje, observando los dibujos de los ciervos, jirafas… y mirando los oueds secos y las taljas, uno puede imaginarse verdaderamente una sabana africana. El taller está dirigido a la población local para apoyar la formación de intérpretes del yacimiento. Los intérpretes son personas que se especializan en realizar una “lectura” entretenida y crítica de las realidades que se observan en un área, buscan comunicar los valores del patrimonio cultural y contribuir a la conservación del lugar. Su labor es acompañar y apoyar la conducción de visitas o grupos, manejando técnicas de interpretación y dinámicas grupales.
Metodología: La formación teórica se completará con prácticas que se realizarán en el campo de la conservación de las pinturas rupestres y del yacimiento de Erqueyez en su conjunto. Asimismo, se llevarán a cabo una serie de actividades participativas que permitirán evaluar la asimilación de la teoría por parte de los alumnos.
Programa:
Día 1: La prehistoria del Norte de África
Día 2: La cultura material de Erqueyez / El mundo funerario
Día 3: Las pinturas rupestres de Erqueyez / Técnicas de conservación de patrimonio arqueológico
Día 4: Visita a los talleres de industria lítica y estructuras funerarias
Día 5: Visita a los abrigos con manifestaciones rupestres para la identificación de los motivos pintados y su interpretación, así como para la valoración de las amenazas de conservación de Erqueyez.
Nº de alumnos: 10
Curriculum de Teresa Muñiz: Teresa Muñiz es arqueóloga, licenciada por la Universidad de Granada. En 2002, inicia una investigación sobre el yacimiento arqueológico de Erqueyez dentro del programa de doctorado de la Universidad de Granada y participa en el proyecto que dicha institución llevará a cabo en Erqueyez con el apoyo de la Junta de Andalucía. Como resultado de su estudio, Teresa Muñiz publica en la revista Arqueología y Territorio Los abrigos con pinturas rupestres de Erqueyez. Prospección arqueológica: diseño y resultados. Por otro lado, ha participado en el Estudio geoarqueológico de los sepulcros megalíticos de Cueva de Menga, Viera y Romeral en Antequera y publicado, junto con otros autores, diversos estudios como el Abrigo del arroyo de Huenes. Un nuevo conjunto de pintura rupestre esquemática en la provincia de Granada y el Estudio geoarqueológico del conjunto de los dólmenes de Antequera.
LA CONSTRUCCIÓN DEL REPORTAJE FOTOGRÁFICO
Pablo Balbontín
Objetivos: Transmitir la importancia de la fotografía como instrumento para narrar la realidad y profundizar en la forma y el concepto del reportaje fotográfico y su valor como vehículo de historias y opiniones.
Metodología: El trabajo se desarrollará en tres niveles superpuestos. El primero tratará las técnicas básicas de la fotografía, el uso de la cámara fotográfica y la importancia del reportaje como memoria histórica del hombre y de los eventos en los que se encuentra implicado. El segundo nivel se ocupará de la importancia de la imagen, la composición fotográfica, el encuadre (selección/exclusión de los elementos que nos circundan) y su valor simbólico e histórico. El tercer y último nivel, uno de los más importantes, se centrará en la edición del propio reportaje: la selección de imágenes y su lectura como una historia única.
Programa:
Dos días: Introducción al reportaje fotográfico
Cuatro días: Trabajo de campo, visionado y corrección del material
Dos días: Edición final de Reportajes
Número de alumnos: 15
Material necesario: Cámara digital propia
Currículum de Pablo Balbontín: El fotógrafo sevillano, afincado en Turín, realizó el proyecto “Los Olvidados” como artista invitado a los I Encuentros de Arte en Territorios Liberados el Sahara Occidental. La cuestión saharaui se incorporó así a la temática de trabajo de este periodista gráfico que ha recogido en reportajes de proyección internacional algunos de los graves conflictos que convulsionan el mundo de hoy. Entre sus trabajos más representativos, “La caída del régimen de Berisha” (Albania), “Irak, la guerra silenciosa”, “Los custodios de la Biodiversidad”, “Kosovo: El gran éxodo” y “La marcha zapatista del EZLN (México, 2001)”. Imparte talleres de Fotografía en la Universidad de Turín.
BOLETÍN DE INSCRIPCIÓN. TALLERES ARTIFARITI 2008
TALLER:
DATOS DEL PARTICIPANTE:
Apellidos:
Nombre:
Profesión:
DNI:
Pasaporte:
Dirección:
Población:
C.P. :
E-mail:
Telf.
¿Cómo se enteró de este curso?
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Fechas del Taller: del 22 de noviembre al 6 de diciembre de 2008.
Lugar: Campamentos de refugiados saharauis en Tindouf (Argelia) y Tifariti (Sahara Liberado)
Precio del curso: 1.000 euros, incluido traslado desde Madrid a Tindouf en vuelo regular, transportes internos (campamentos y desplazamientos -ida y vuelta- a Tifariti), manutención y alojamiento, programa de actividades paralelo y excursiones.
Inscripción mediante transferencia bancaria a la cuenta de la Asociación de Amigos del Pueblo Saharaui de Sevilla-ARTIFARITI en La Caixa : 2100 2592 28 0210099695.
Una vez realizado el pago del Taller, remitir a Chaska Mori (ARTifariti) boletín de inscripción y resguardo del ingreso bancario con los datos de la transferencia (nombre y apellidos de la persona que se inscribe) por fax (954 282 205) o por email (chaska@artifarti.org)
Las plazas se cubrirán por riguroso orden de inscripción, cuyo plazo finaliza el 15 de octubre de 2008.